La Monte Young, aujourd’hui âgée de 86 ans, a sorti beaucoup de musique ces dernières années.
En 2018, ce compositeur et multi-instrumentiste, reconnu comme un ancêtre du minimalisme, a réédité une prise de six heures et 24 minutes sur son œuvre mammouth “The Well-Tuned Piano”. L’année dernière, une partie importante de son mince catalogue, dont certains depuis longtemps épuisés sur CD, a atteint la plateforme digitale Bandcamp.
Plus récemment, Young a enfin sorti un enregistrement de sa composition révolutionnaire, “Trio for Strings”, qu’il a initialement écrite en 1958, alors qu’il commençait une période d’études à l’Université de Californie à Berkeley.
Toute cette activité est un peu une surprise, car l’étudiant compositeur qui a choqué ses collègues avec “Trio” – une pièce de près d’une heure qui utilisait presque exclusivement des tons longs et soutenus – est célèbre pour ne pas sortir des albums. Pendant des décennies, vous avez dû traquer un bootleg de la pièce pour en faire l’expérience.
Sa série d’indisponibilités officielles a finalement pris fin à la fin de l’année dernière, lorsque la Dia Art Foundation a publié un coffret de quatre LP d’une performance live de 182 minutes de “Trio” enregistré lors d’une série de concerts en 2015.
Au fil des décennies, Young n’était pas simplement assis sur le matériel; il y travaillait continuellement, concevant même un nouveau réglage en intonation juste, pour mieux exprimer une partie de son contenu harmonique. S’adressant à William Robin pour le avant la performance en direct capturée sur la nouvelle version, Young a déclaré à propos du version nouvellement réglée et allongée“C’est comme ça aurait vraiment dû être, et peut être, et sera.”
À ce moment-là, «Trio» a été conçu pour un quatuor à cordes augmenté comprenant deux violoncellistes, afin d’éviter d’avoir à tenir des doubles cordes en harmonie pendant des périodes trop longues. Le nouveau coffret répertorie les dates de composition comme “1958-1984-1998-2001-2005-2015”, une gestation de 57 ans.
La nouvelle version est indéniablement chère, à 196 $. Outre les quatre LP, la boîte comprend également un code de téléchargement pour un fichier monopiste de qualité CD de l’œuvre de trois heures, via Bandcamp. (Les autres albums numériques de Young sur Bandcamp varient entre 14 $ et 49 $ – le plus cher étant le prix d’une version audio de cette performance de plus de six heures de “The Well-Tuned Piano”.)
Ce “Trio” en vaut-il la peine ? J’ai eu ma copie gratuitement – mais en tant que personne qui a payé le prix d’occasion pour les contrefaçons Young et les disques épuisés à l’époque pré-critique, je ne peux pas imaginer ne pas économiser pour l’acheter si je devais le faire.
Le voyage commence par une section d’exposition de 33 minutes, dans laquelle la rangée organisatrice de 12 tons de Young est énumérée, très progressivement. Par rapport à la récapitulation de ces notes autour de la marque des deux heures neuf minutes, l’entrée de certaines notes pendant l’exposition frappe plus durement.
Mais les joueurs – Charles Curtis et Reynard Rott aux violoncelles, avec Erik Carlson et Christopher Otto doublant tous les deux à l’alto et au violon – ont un sens si précis de l’intonation que le matériau conserve son profil merveilleusement harmonieux. C’est vrai même pendant le passage le plus chaud de l’exposition, un tétracorde aigu de si, fa dièse, fa et mi qui émerge à la 16e minute. (L’absence de battements acoustiques discordants est due à l’accord d’intonation juste et à la précision de ces joueurs.)
Environ deux heures plus tard — après le transformations de style série de l’exposition ont suivi leur cours — ce même accord revient lors de la récapitulation. Mais c’est maintenant beau d’une manière différente, grâce aux changements de voix.
Otto, le violoniste, a écrit dans un e-mail qu’il s’agissait de son passage préféré dans la performance, citant “comment toute la sonorité fusionne et résonne” et ajoutant : “Nous échelonnons également les changements d’archet d’une manière particulière qui devient un magnifique rituel méditatif. ”
Cet enregistrement de “Trio” est essentiel pour nous aider à comprendre non seulement la croissance de Young, mais aussi celle du minimalisme. Otto, lui-même compositeur, a pris des idées glanées auprès de Young et les a utilisées dans sa propre pratique d’écriture, comme sur la récente sortie sur le label Greyfade “chiffon′lycée» et dans son battre vertigineusement composition de drone »Octuor pour violon.”
“J’avais été intéressé par l’intonation juste et les liens avec les structures mathématiques, influencés en particulier par Babbitt et Xenakis”, a déclaré Otto, “et la musique de Young m’a vraiment fait prendre conscience de la richesse de la stase apparente.”
Que ce soit un mot d’avertissement pour toute personne impatiente. Si vous essayez de passer à un point culminant soi-disant dramatique, cela ne rapportera rien. Dans l’œuvre de Young, on ne peut pas ressentir les pics d’intensité sans saisir l’ensemble.
Et d’ailleurs, vous manquerez bien d’autre chose qui transporte. Au cours de la longue section de développement de “Trio”, j’adore quelques groupements de notes plus brefs qui reflètent l’enthousiasme précoce de Young pour la deuxième école viennoise – en particulier le style épigrammatique de Webern. Que vous puissiez également entendre bluesy Americana dans certaines harmonies témoigne de la vaste synthèse stylistique du monde.
Un essai de Young dans le livret d’accompagnement expose cependant ses réflexions sur les limites du sérialisme. « Des compositeurs comme Webern, Pierre Boulez et Karlheinz Stockhausen ont écrit de petits points répartis dans le temps », écrit-il. “Les aspects tonals du système ont été sous-estimés et les aspects démocratiques du système ont été soulignés, probablement parce que, dans le système de tempérament égal, il était si peu harmonieux de maintenir les tons pendant longtemps.”
C’est un aperçu bien observé de la musique du XXe siècle. Mais lors du traitement de ce nouvel enregistrement prolongé de «Trio», je me suis également retrouvé à penser à des œuvres récentes de longue durée dans le monde du cinéma. Après avoir regardé le dernier film de Paul Schrader, “The Card Counter” – un brûleur lent hypnotique mettant en vedette Oscar Isaac et Tiffany Haddish – j’ai ramassé le livre de Schrader “Style transcendantal au cinéma.”
Ce texte du début des années 1970 donne les réflexions de Schrader sur les réalisateurs qui évoluent lentement et de manière décisive, mais de manière imprévisible. Encore plus intrigante est une nouvelle préface qu’il a écrite pour la dernière édition du livre, en 2018. Ici, Schrader distingue le style «transcendantal» d’Ozu et d’autres de ce qui est venu après, à savoir le mouvement du «slow cinema» – pensez à des réalisateurs comme Apichatpong Weerasethakul et Hou Hsiao-hsien – qui est désormais familier aux festivaliers du film.
“Ils éloignent le spectateur de “l’expérience”, c’est-à-dire de l’implication émotionnelle immédiate”, écrit Schrader à propos du cinéma lent, ajoutant : “C’est différent des dispositifs de distanciation modernistes dans les autres arts au même degré que le cinéma est différent de formes d’art antérieures.
J’ai souligné ma copie et noté : « Paul Schrader a besoin d’entendre « Trio pour cordes ».
Avec cette dernière version à intonation juste de “Trio”, Young a perfectionné sa réponse à la tradition sérielle. Et ce faisant, le compositeur a emprunté une voie inversée par rapport à celle dont Schrader a été témoin dans le monde du cinéma : Young a commencé avec des œuvres qui confrontaient le public à des provocations lentes et conceptuelles, et a depuis progressivement tourné ses idées vers des idées encore plus expressives, fins transcendantales – que ce soit dans sa dernière prestation de “Le piano bien accordé», dans son album blues-rock bourdonnant « Just Stompin’ » ou dans ce nouveau « Trio ».
Ou du moins c’est mon point de vue. Le compositeur pourrait avoir une analyse différente. Mais maintenant que la musique de Young est plus largement diffusée, une communauté d’auditeurs plus large peut commencer à comparer nos propres notes. Maintenant, alors que je fais l’expérience de la dyade finale de G et C dans les violoncelles, j’entends un sentiment encore plus large de distance émotionnelle parcourue au cours de l’œuvre. (Cette conclusion pourrait même fonctionner comme une bande sonore alternative pour le plan final de “The Card Counter”.)
À mon oreille, Young a revisité son exercice d’étudiant – le big bang minimaliste original en ce qui concerne les tons soutenus – et a fait de la place pour une plus grande sensation et une plus grande libération émotionnelle. Le fait qu’il ait fait cela tout en étendant sa longueur à une nouvelle portée exigeante rend sa réalisation d’autant plus remarquable.
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