“Cette pièce n’est pas comme toutes mes autres”, écrit Dominique Morisseau dans une note d’auteur du scénario de “Confédérés”. La nouvelle pièce, sur deux femmes noires vivant à des époques différentes mais aux prises avec une oppression similaire, porte plusieurs signatures de l’œuvre de Morisseau et utilise pourtant des techniques narratives qui sont des départs pour elle. Il est donc logique que «Confederates», qui a ouvert ses portes dimanche au Pershing Square Signature Theatre, ressemble à une expérience élégante, réfléchie et assemblée, mais ne réalisant pas tout à fait son plein potentiel.
“Confederates”, qui a été commandé par l’Oregon Shakespeare Festival et le Penumbra Theatre, commence par Sandra (Michelle Wilson), une professeure de sciences politiques qui vient de trouver une image offensante photoshoppée d’une femme asservie sur la porte de son bureau. Quelques minutes plus tard, elle est partie et nous avons remonté le temps jusqu’à la guerre civile, où nous rencontrons Sara (Kristolyn Lloyd), une jeune esclave féroce qui deviendra une espionne pour l’Union.
Ces femmes et leurs contemporains sont les points focaux alternatifs de la pièce, mise en scène par Stori Ayers. L’attention se déplace si rapidement d’une histoire à l’autre qu’elles deviennent les deux moitiés d’un dialogue.
Le design scénique de Rachel Hauck – deux chaises anciennes, un banc et une table d’appoint avec des tiroirs, entourés des imposantes colonnes blanches et du haut balcon d’une maison de plantation – est neutre et, au niveau des yeux, sans intérêt. Mais à travers les hauteurs de l’architecture de la maison et les espaces entre les colonnes, l’ensemble crée une dimension et une profondeur qui donnent l’impression que l’arrière-plan s’étend dans les couloirs et les pièces ornés d’une maison du Sud.
Connue pour son cycle de Detroit, y compris “Skeleton Crew”, qui vient de terminer sa première diffusion à Broadway le mois dernier, Morisseau opte généralement pour le réalisme et la narration chronologique traditionnelle. En fait, elle y excelle ; elle examine les intersections de la race, de la classe et du genre à travers des personnages qui se sentent aussi réels qu’un voisin que vous entendez enlever ses bottes à la fin d’une journée de travail.
La structure de cette pièce est cependant différente. Il y a une qualité de manuel à cela; chaque scène illustre clairement un thème, qu’il s’agisse de la sexualisation des femmes noires, de la manière dont les institutions montent les femmes noires les unes contre les autres ou de la différence entre les attentes des hommes noirs et des femmes noires. L’action consiste en des disputes et des discussions impliquant généralement deux ou trois personnes, tout le reste se déroulant en arrière-plan. Pour Sara, cela signifie les labeurs habituels de la plantation et les coups de feu pas si lointains de la guerre, qui, selon elle, signifient la liberté. Pour Sandra, c’est sa recherche de l’auteur de la photo et ses relations troubles avec ses collègues et étudiants.
Morisseau brouille ce binaire en faisant doubler les trois autres personnages de la pièce : Abner (Elijah Jones), le frère de Sara qui s’est échappé de la plantation pour se battre pour l’Union, est aussi Malik, l’un des élèves de Sandra. Dans le passé, il y a Missy Sue (Kenzie Ross), la fille du propriétaire de la plantation et l’amie d’enfance de Sara ; dans le présent, elle est Candice, l’assistante étudiante bavarde de Sandra. LuAnne (Andrea Patterson) est une esclave domestique quand elle n’est pas Jade, aujourd’hui une collègue de Sandra. Morisseau reflète intelligemment les conversations entre les intrigues, ainsi, par exemple, Missy Sue adore naïvement son amie esclave comme Candice idolâtre son professeur noir.
La direction d’Ayers, ainsi que les costumes déchirables intelligents d’Ari Fulton et la gamme chic de perruques et de coiffures de Nikiya Mathis, sont les plus vivantes dans les transitions du passé au présent et dans les minuscules anachronismes de la production, comme un esclave donnant du dap. Il semble que la pièce entre dans un territoire plus expérimental alors que les entrées et les sorties des personnages commencent à se chevaucher dans les délais, mais Ayers semble hésiter à faire autre chose que de les faire passer comme des navetteurs anonymes à Port Authority. Trop souvent, son approche semble procédurale, mais il y a des moments où la direction montre du courage, comme dans les transitions plus flashy, quand quelqu’un marche ou se pavane sur la musique, qui alterne entre de vieilles ballades racistes comme “Dixie” et “Oh ! Susanna » sur des chansons originales rythmées arrangées par Jimmy Keys (alias J. Keys).
Bien que la série utilise les personnages auxiliaires comme points de contact entre le monde de Sara et celui de Sandra, les deux femmes elles-mêmes ne se rencontrent pas réellement. « Confederates » crée cette tension entre ses deux parties mais n’en fait rien. Si Morisseau a construit ses histoires avec cette magie inhérente des décors alternés, nous permettant de voyager dans le temps avec elle à travers une discussion sur la politique raciale d’hier et d’aujourd’hui, pourquoi ne pas essayer de permettre aux mondes des deux protagonistes de s’étendre un peu plus ? Pourquoi ne pas aller plus grand ? Devenir plus bizarre ?
Parce qu’il y a un certain isolement dans l’histoire; nous sommes dans la grande maison ou la cabine de Sara ou nous sommes dans un bureau universitaire. Les « confédérés » veulent garder nos yeux sur les deux institutions principales ici (l’esclavage, le milieu universitaire), dont chacune engendre ou favorise ses propres formes d’oppression. Chaque scène illustre si clairement un point de la thèse de la pièce sur la race que les enjeux ne semblent pas réels ; nous sommes juste dans le domaine du discours.
Au moins Morisseau ne laisse pas le pédagogique occulter le poétique. Son langage est aussi magnifique que toujours – et tout aussi pointu. Ainsi, une conversation sur la sexualité amène LuAnne à dire : « La nature n’est pas une esclave. Il bouge à son propre rythme », utilisant les termes de l’esclavage comme moyen de parler des convoitises indomptables du corps. Et Morisseau peut habiller une atrocité dans une métaphore sans obscurcir l’horreur sous la surface, comme lorsque Sara décrit avoir vu des esclaves “fouetter si mal que leur peau s’animait et rampait sur leur propre chair”.
Belle langue qui est mariée à des histoires d’adversité – la pièce est pleine de tels paradoxes, un autre étant que “Confederates” est une œuvre sur le racisme qui est vraiment drôle. Il y a une légèreté dans la satire, mais ce n’est pas dans l’écriture seule ; la production d’environ 90 minutes a un casting agile.
Jones apporte une répartie animée aux interactions de ses personnages, et Ross joue avec succès l’ignorance de ses personnages blancs (“OMIGODE. J’étais complètement raciste à ce moment-là », s’exclame-t-elle en Candice, les yeux de chouette de honte et la bouche ouverte). Patterson est cool en tant que Jade brusque et tranchante, mais a moins de poids pour ses personnages.
Wilson incarne l’universitaire posée et sûre d’elle dans un costume de puissance rouge, mais le personnage ne lui permet pas de montrer beaucoup de portée, tandis que Sara est le rôle le plus gratifiant de la pièce, incorporant à la fois une marque cuivrée de satire et une oraison politico-historique féroce. . Lloyd frappe facilement les notes comiques et canalise un roulement à la Harriet Tubman dans Sara, mais n’est pas aussi à l’aise pour contenir les émotions plus profondes du personnage.
Morisseau est une dramaturge fabuleuse, à tel point que même dans les défauts de ses pièces, son éclat transparaît toujours. Et voir une artiste essayer quelque chose de nouveau dans son art est excitant. Quoi de plus excitant que cela ? Anticipant jusqu’où – dans ses paramètres, dans ses histoires – elle peut aller.
Confédérés
Jusqu’au 17 avril au Pershing Square Signature Center, Manhattan; signaturetheatre.org. Durée : 1h40.
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